1981
Academy Awards (Oscars)
最佳外語片提名
最佳外語片提名
最後地下鐵 楚浮「叛逆．楚浮 4K 數位修復影展」最後一部終於捕完了，見證被佔領時的生活現象，在各世代變遷也不影響對藝術的愛，雖片名叫最後地下鐵，但重點是人困境的環境與極端下的人性，只是跟導演另兩部比這部就沒那麼喜歡
1:53:42 《最後地下鐵》的另一個有趣的處理，是他將不同國族、身份及階級的人，全都透過他們在劇場位置的安排（無論是抽象的位置還是具象的位置），把他們都整合在一個單一的空間裡頭。可以說這個劇場空間是一個社會結構在視覺造型上的再現。 在這裡頭讓人聯想起法國哲學家洪席耶的主張。洪席耶認為政治和美學他們都有著自己的一套「體制」，這個體制都是在決定「在什麼位置上你會感受到什麼，什麼會被你給辨識出來」，這就是藝術和政治都有的「共同結構」，因此藝術不只是要再現日常生活裡頭的政治體制，甚至可以說，藝術應該要使那些在政治體制裡頭「被消失」「被拒絕辨識出來的人」以藝術的表現形式創造一套美學的「體制」，使不可見成為可見。就此而論，這種在單一空間再現不同身份階級的配置的作法，就不僅僅只是再現，同時更是讓這個劇場空間，成為象徵意義的美學體制，把那些在日常政治生活中被排除的存在能在作品中被辨識出來。
1:56:41 三人關係分析 猶太裔藝術總監盧卡彷彿深陷於歷史進程的芸芸眾生的旁觀者，但同時又是集體暴力所急欲排除掉的對象，這迫使他成為只能以不能被辨識的方式存在的幽魂。 在整部電影中，蒙馬特劇院不斷反覆搬演著盧卡遺留下來的劇作，同時盧卡更在暗中指導著她的妻子瑪麗安如何詮釋及表現她的作品，彷彿被排除的幽靈必須藉由藝術表演的形式才得以借屍還魂，而被附身的對象則是劇院裡頭新來的男演員，伯納葛杭傑。 戮力維持劇場經營的瑪麗安已無法對和現實生活脫節的盧卡產生激情，然而瑪麗安對於盧卡名存實亡卻仍堅持維繫的關係，指認著她被困鎖在過去的精神狀態，而伯納葛杭傑代表的就是盧卡在當代的象徵性肉身。 伯納葛杭傑的演出備受矚目，他的演譯符合新時代的美學喜好，但他所演譯的戲劇彷彿讓他像是背負著歷史共業般，無法也不願享受新時代所意欲簇擁在他身上的光芒，因為他也彷彿讓自己成為盧卡般地愛上瑪麗安。 釐清了這三人這樣的關係後，才能明白楚浮是如何在這部片中打破劇場內外的虛實界線，並在刻畫三位男女處於大時代缺憾的前提下，這些角色們如何透過戲劇搬演的過程重新得到圓滿與補償，而看似虛構搬演的劇場成為了人物間能夠真實交流的平台與媒介。
1:11:44 「真相」在本片中都是於「暗處點燈」的時刻發生，或是突如其來的黑暗，讓前台的演員不再遵行著正常的行動方案，而此躲在後台的兩人意外被撞見，在暗處人們才能卸下心防，例如：停電的時刻、換裝時候的布幕之後甚至是前台表演光影較為昏暗氤氳的情境。同樣地，「暗處」不只是光線的明線，也有邏輯結構上的「暗處」，像是躲避搜查與觀測的地下室，儲存著侵略暴力的真相。 「暗處點燈」令人聯想起同樣要在黑暗中觀看，投過光線成像或是在黑暗中發出光線的電影。在這部片中楚浮可以說不斷透過劇場的結構、光影與真偽間交織的邏輯，以及被迫害的猶太人具備劇作家身份的設定，反覆申說電影本身的創作哲學。創作行動如何可能將被集體暴力所排除掉的對象重新被感知及辨認出來。
2:10:54 https://www.youtube.com/watch?v=zOX7extVgQ8 5. 基本上我想寫的都在前面1~4都寫過了，楚浮作為法國新浪潮的代表之一，每部作品都有明確的作者印記，不管是在感情觀、對自由的追尋、對女性的迷戀、對戲劇的熱愛，每部電影都顯現著楚浮的電影是多麽的特別與充滿創造力。 . 同樣與《最後地下鐵》一樣聚焦在劇場人如何應對二戰動盪的政治風險，我想到了一部精湛完全不輸給這部電影的作品。那部電影是匈牙利國寶級導演Szabó István拍的《千面惡魔 Mephisto》裡面的主角是一個才華洋溢的舞台劇演員，但與《最後地下鐵》相異的是，他在劇場中販賣靈魂，諂媚所有的上位者，最終成為了一個身分不明的角色，如果有機會看到的話，強烈推薦大家去看～
2020台北電影節｜經典重現｜千面惡魔 Mephisto2:09:58 4. 最後的結尾楚浮又像《日以作夜》那樣混肴劇場與劇情的關係，注意在最後一段畫外音來到時，在醫院背後的窗景一開始是真實的人，但後面一個巧妙地轉景，背景就變成劇場了，當三個人拉手一起謝幕時我不自覺得想起了楚浮石破天驚的《夏日之戀》他好像特別愛寫兩個男生愛上同一個女生的三角戀，好在這次三角戀有了個開心的結尾，僅管又像假的又像真的，但就是對於戲劇的愛吧。
2:03:05 3. 那些時刻會是首演之夜，緊張吃不下飯的導演、故作鎮定神色自若卻偷跑去廁所吐的女主人，首演之夜整場戲我都好喜歡，不管是短短出現冒險來看戲的猶太女孩、裝模作樣起來鼓掌的藝評人、Catherine忍不住深吻Depardieu的片段、沒有辦法上檯接受眾人好評焦慮的導演。 而後那場Depardieu教訓藝評人責怪女主人的話語也充滿力量，整部片沒有試圖去寫臺灣文青、憤青最愛談論「一切都與政治有關」的議題，而是顯現出男女主角因為站在位置不同，顯現出不同的觀點，無關對錯兩個人都做出符合自己價值觀的表態與行為，一個為了國家（自己的政治理念）、一個為了劇場，但我不得不說 Catherine Deneuve 每段的吻戲與抗拒小鮮肉的神情都演得好棒。
26:15 2. 整部《最後地鐵》除了少部分配角、明星的表現外，全數都聚焦在這個充滿魅力的角色身上，她既要再納粹入侵的狀況下保全劇場的藝術、又要成功讓舞台劇繼續演下去、還要把持住自己不被年輕小鮮肉(Gérard Depardieu)所吸引、還要試圖把導演老公走私出劇場潛逃西班牙。 . 整部《最後地下鐵》就亂哄哄的看她如何在不同角色間疲於奔命，去搞政治關係、演戲、調情、管劇場，而故事的主題也既是一個女演員如何在戰爭期間苦撐蒙馬特劇場、也在談戰爭期間法國對猶太人所遭受的迫害、藝評人如何用政治來對藝術施壓，這樣的寫法與一貫主題明確的美國電影完全相反，如果是好萊塢抗戰片一定會有個明確的主軸，有個英雄然後所有的線路都在為這個主軸服務，例如說《戰地琴人》、《辛德勒的名單》，但法國畢竟是法國，整部片自由地在眾多小事件間游走，雖然有時候摸不著頭緒，但卻有楚浮筆下獨一無二的法式風味。
3:19 1.《最後地下鐵》有著許多調皮、可愛的小細節，以二戰為背景的藝術人生活，多半呈現出一種苦愁、被迫害的生活，楚浮在同樣的背景下卻保留了專屬於法國人自由洋溢的生活。 . 開場 Bernard Granger 的追女片段就是一個很有趣的呈現，楚浮用非常生動的方式去呈現劇場中每位插科打諢的角色，這些小角色們讓人感受到一股專屬於劇場人，對於戲劇無盡的熱愛與一股專屬於法國人的自由氣息，而開場中把妹的橋段也在15分鐘後的劇場排演中做了一個可愛的小翻轉，讓人不禁為這些精心打造的小細節而喝彩，當然《最後地下鐵》最為精彩的是，劇場下藏著導演的設計，這個想法美麗而充滿創意，然後Catherine Deneuve完全撐起了整部片。
French New Wave pioneer François Truffaut made an unforgettable debut with The 400 Blows, winning Best Director at the Cannes Film Festival. This semi-autobiographical film marked the beginning of his celebrated “Antoine Doinel” series, chronicling a boy’s journey from youth to adulthood. The 400 Blows not only ignited the French New Wave—it remains one of Truffaut’s most iconic masterpieces. In Jules and Jim, a love triangle between two men and a woman unfolds with poetic grace, establishing Truffaut’s reputation as a creator of utopian romances. Later in his career, The Last Metro—set in Nazi-occupied Paris—won the César Award for Best Film and stands as a mature, poignant work from his final years. Giloo presents a curated selection of three essential Truffaut films—timeless classics from a filmmaker who reshaped the language of cinema, in France and beyond.
Try entering the keyword "intellectuals" and shift the timeline to the period after the Cultural Revolution. What kind of landscape emerges from the intricate intertwining of history and individual lives? Is it the yearning for freedom, the pursuit of art, unrestrained sexuality, or perhaps the spoken and unspoken madness and rebellion between people? The 1980s can truly be called a magnificent cultural renaissance for China.
In Anton Chekhov’s The Seagull, dreams, work, and love intertwine. Life is a constant pursuit of purpose—despite the frustration, the failures, and the sense of helplessness that may await. Yet we keep struggling, relentlessly. Absurd? Perhaps. A comedy? Undeniably. And that, too, is life. The characters on stage may not be as mad as the world we live in, yet their stories mirror our own. In the illusion of theater, we often glimpse the truest reflections of ourselves